Dessin de la figure - Figure drawing - Wikipedia

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Dessin de la figure par Léonard de Vinci

UNE dessin de la figure est un dessin de la forme humaine dans l'une de ses différentes formes et les postures en utilisant l'un des dessins médias. Le terme peut également désigner l'acte de produire un tel dessin. Le degré de représentation peut aller de rendus très détaillés et anatomiquement corrects à des croquis lâches et expressifs. Un "dessin de vie" est un dessin de la figure humaine à partir de l'observation d'un vivant maquette. Un dessin de figure peut être une œuvre d'art composée ou un étude de la figure fait en préparation pour un travail plus fini comme une peinture.[1] Le dessin de la figure est sans doute le sujet le plus difficile un artiste généralement des rencontres, et des cours entiers sont dédiés au sujet. La figure humaine est l'un des thèmes les plus durables des arts visuels, et la figure humaine peut être à la base de portrait, illustration, sculpture, illustration médicale, et d'autres domaines.

Approches

Les artistes adoptent diverses approches pour dessiner la figure humaine. Ils peuvent s'inspirer de modèles vivants ou de photographies,[2] à partir de modèles squelettiques, ou de mémoire et d'imagination. La plupart des instructions portent sur l'utilisation de modèles dans les cours de «dessin de vie». L'utilisation de la référence photographique - bien que courante depuis le développement de la photographie- est souvent critiquée ou découragée pour sa tendance à produire des images «plates» qui ne parviennent pas à saisir les aspects dynamiques du sujet. Le dessin à partir de l'imagination est souvent loué pour l'expressivité qu'il encourage, et critiqué pour les inexactitudes introduites par le manque de connaissances ou la mémoire limitée de l'artiste dans la visualisation de la figure humaine; l'expérience de l'artiste avec d'autres méthodes a une grande influence sur l'efficacité de cette approche.

En développant l'image, certains artistes se concentrent sur les formes créées par l'interaction des valeurs claires et sombres sur les surfaces du corps. D'autres adoptent une approche anatomique, en commençant par se rapprocher de l'intérieur squelette de la figure, recouvrant les organes internes et musculatureet recouvrir ces formes avec la peau et enfin (le cas échéant) les vêtements; l'étude de l'anatomie interne humaine est généralement impliquée dans cette technique. Une autre approche consiste à construire librement le corps à partir de géométrique formes, par exemple, une sphère pour le crâne, un cylindre pour le torse, etc., puis affinez ces formes pour ressembler plus étroitement à la forme humaine.

Pour ceux qui travaillent sans référence visuelle (ou comme moyen de vérifier son travail), proportions couramment recommandées dans le dessin de la figure sont:[3]

  • Une personne moyenne mesure généralement 7 têtes et demie (y compris la tête). Cela peut être illustré aux élèves de la classe en utilisant des assiettes en papier pour démontrer visuellement la longueur de leur corps.
  • Une figure idéale, utilisée pour une impression de noblesse ou de grâce, est dessinée à 8 têtes de haut.
  • Une figure héroïque utilisée dans la représentation des dieux et des super-héros mesure huit têtes et demie. La majeure partie de la longueur supplémentaire provient d'une poitrine plus grande et de jambes plus longues.

Ces proportions sont les plus utiles pour un modèle debout. Poses qui introduisent raccourci des différentes parties du corps les fera différer.

Médias

Femme assise, dessin au crayon noir, école de Rembrandt (17ème siècle)

Le Salon français au 19ème siècle a recommandé l'utilisation de Conté crayons de couleur, qui sont des bâtons de cire, d'huile et de pigment, combinés avec du papier spécialement formulé. L'effacement n'était pas autorisé; au lieu de cela, l'artiste devait décrire la figure en traits légers avant de faire des marques plus sombres et plus visibles.

Dessin de la figure par Lovis Corinthe. Avant 1925

Une technique moderne populaire est l'utilisation d'un charbon bâton, préparé à partir de vignes spéciales, et une forme plus rugueuse de papier. Le charbon adhère librement au papier, ce qui permet un effacement très facile, mais le dessin final peut être conservé en utilisant un "fixateur" vaporisé pour empêcher le charbon de se détacher. Le charbon de bois comprimé plus dur peut produire un effet plus délibéré et précis, et des tons gradués peuvent être produits en maculant avec les doigts ou avec un outil en papier cylindrique appelé un souche.

Le crayon graphite est également couramment utilisé pour le dessin de figures. A cet effet, les crayons pour artistes sont vendus dans diverses formulations, allant de 9B (très doux) à 1B (moyen doux), et de 1H (moyen dur) à 9H (très dur). Comme le charbon de bois, il peut être effacé et manipulé à l'aide d'une souche.

L'encre est un autre support populaire. L'artiste commencera souvent avec un crayon graphite pour esquisser ou esquisser le dessin, puis le travail de ligne final est fait avec un stylo ou un pinceau, avec de l'encre permanente. L'encre peut être diluée avec de l'eau pour produire des dégradés, une technique appelée lavage d'encre. Les marques de crayon peuvent être effacées après l'application de l'encre, ou laissées en place avec les encres sombres les submergeant.

Certains artistes dessinent directement à l'encre sans préparer de croquis au crayon, préférant la spontanéité de cette approche malgré le fait qu'elle limite la capacité à corriger les erreurs. Matisse est un artiste connu pour avoir travaillé de cette manière.

Une méthode privilégiée de Watteau et d'autres artistes des XVIIe et XVIIIe siècles Baroque et Rococo l'époque était de commencer avec un fond coloré de ton à mi-chemin entre le blanc et le noir, et d'ajouter de l'ombre en noir et des reflets en blanc, en utilisant un stylo et de l'encre ou "crayon".

Histoire

La figure humaine fait l'objet de dessins depuis la préhistoire. Alors que les pratiques d'atelier des artistes de l'antiquité sont en grande partie une question de conjecture, le fait qu'ils ont souvent dessiné et modelé à partir de modèles nus est suggéré par la sophistication anatomique de leurs œuvres. Une anecdote racontée par Pline décrit comment Zeuxis passé en revue les jeunes femmes de Agrigentum nu avant d'en sélectionner cinq dont il combinerait les traits pour peindre une image idéale.[4] L'utilisation de modèles nus dans l'atelier de l'artiste médiéval est implicite dans les écrits de Cennino Cennini, et un manuscrit de Villard de Honnecourt confirme que le dessin d'après la vie était une pratique établie au XIIIe siècle.[4] Le Carrache, qui a ouvert leur Accademia degli Incamminati à Bologne dans les années 1580, définissez le modèle des écoles d'art ultérieures en faisant du dessin de la vie la discipline centrale.[5] Le cours de formation a commencé par la copie de gravures, puis a procédé au dessin à partir de moulages en plâtre, après quoi les étudiants ont été formés au dessin à partir du modèle vivant.

À la fin du 18e siècle, les étudiants de Jacques-Louis DavidLe studio de l 'école a suivi un programme d' enseignement rigoureux. La maîtrise du dessin était considérée comme une condition préalable à la peinture. Pendant environ six heures chaque jour, les élèves ont dessiné à partir d'un modèle qui est resté dans la même pose pendant une semaine.[6] «Les dessins du XVIIIe siècle, comme celui attribué à Jacques-Louis David, étaient généralement exécutés sur du papier teinté à la craie rouge ou noire avec des reflets blancs et un fond sombre. Les poses des mannequins avaient tendance à être actives: les personnages debout semblent sur le point de bouger et même les figures assises gesticulent de façon dramatique. Une observation attentive du corps du modèle était secondaire par rapport au rendu de son geste, et de nombreux dessins - cohérents avec la théorie académique - semblent présenter une figure représentative plutôt qu'un corps ou un visage spécifique. En comparaison, les académies produites en le dix-neuvième siècle [...] étaient généralement exécutés à la craie noire ou au fusain sur du papier blanc et sont des représentations méticuleuses des particularités et des particularités du corps du modèle vivant. Les preuves de la main de l'artiste sont minimisées et, bien que couchées ou assises, sont rares, même les poses debout sont relativement statiques ... " [7] Avant la fin du 19e siècle, les femmes n'étaient généralement pas admises aux cours de dessin de figures.[8]

Figure de l'Académie

Une figure de l'académie est un dessin, La peinture ou sculpture de manière littérale, de la corps humain nu en utilisant un modèle vivant, généralement à moitié grandeur nature.[citation requise]

C'est un exercice courant exigé des étudiants de écoles d'art et académies, à la fois dans le passé et dans le présent, d'où le nom.[9]

Femmes

Une figure d'académie transcendée par un peintre néoclassique Pierre Subleyras

Les récits historiques révèlent que les modèles nus pour les aspirants artistes femmes étaient en grande partie indisponibles. Les femmes ont été exclues de certaines institutions parce qu'il était considéré comme inapproprié et peut-être même dangereux pour elles d'étudier à partir de modèles nus.[10] Bien que les hommes aient eu accès aux nus masculins et féminins, les femmes étaient confinées à l'apprentissage de l'anatomie à partir de moulages et de modèles. Ce n'est qu'en 1893 que les étudiantes ont eu accès au dessin de la vie à la Royal Academy de Londres,[11] et même alors, le modèle devait être partiellement drapé.[12]

L'accès limité aux figures nues a entravé la carrière et le développement des artistes féminines. Les formes de peinture les plus prestigieuses nécessitaient une connaissance approfondie de l'anatomie systématiquement refusée aux femmes,[12] qui ont ainsi été relégués à des formes de peinture moins considérées comme genre, nature morte, paysage et portrait. Dans Linda NochlinL’essai de «Pourquoi n’a-t-il pas été de grandes femmes artistes», elle identifie l’accès restreint des femmes au dessin de nu comme un obstacle historiquement significatif au développement artistique des femmes.[12]

Instruction de studio contemporaine

Dessin d'un homme assis avec les jambes croisées
Étude de nu par Annibale Carracci

L'instruction de dessin de figure est un élément de la plupart beaux-arts et illustration programmes. Académies des beaux-arts en Italie avoir un scuola libera del nudo ("école gratuite du nu") qui fait partie du cursus mais est également ouverte aux étudiants extérieurs.[13] Dans une salle de classe typique d'un studio de dessin de figures, les élèves s'assoient autour d'un modèle en demi-cercle ou en cercle complet. Il n'y a pas deux élèves qui ont exactement la même vue, ainsi leur dessin reflètera la perspective de l'emplacement unique de l'artiste par rapport au modèle. Le modèle pose souvent sur un support, pour permettre aux élèves de trouver plus facilement une vue dégagée. Selon le type de pose, des meubles et / ou des accessoires peuvent être utilisés. Ceux-ci sont généralement inclus dans le dessin, dans la mesure où ils sont visibles par l'artiste. Cependant, les arrière-plans sont généralement ignorés à moins que l'objectif ne soit d'en savoir plus sur le placement des personnages dans un environnement. Les modèles individuels sont les plus courants, mais plusieurs modèles peuvent être utilisés dans des classes plus avancées. De nombreux studios sont équipés pour permettre une variété d'arrangements d'éclairage.

Lorsqu'ils sont enseignés au niveau collégial, les modèles de dessin de figures sont souvent (mais pas toujours) nu (à part les petits bijoux, accessoires ou autres objets discrets). Lors de la pose, il est généralement demandé au modèle de rester parfaitement immobile. En raison de la difficulté à le faire pendant une période prolongée, des pauses périodiques pour que le modèle se repose et / ou s'étirent sont généralement incluses dans des sessions plus longues et pour des poses plus difficiles.

Au début d'une séance de dessin de figure, le modèle est souvent invité à faire une série de brèves poses en succession rapide. Celles-ci sont appelées poses gestuelles et durent généralement une à trois minutes chacune. Dessin gestuel est un exercice d'échauffement pour de nombreux artistes, bien que certains artistes esquissent le geste comme la première étape de chaque dessin de figure.[14] Ces larges traits ne se font pas simplement par un mouvement du poignet, mais en utilisant tout le bras pour capturer le mouvement du modèle. Cela aide également à garder l'artiste concentré sur le modèle plutôt que sur le papier. En ce qui concerne le corps humain, les artistes sont douloureusement critiques; les proportions d'une nature morte n'ont pas besoin d'être parfaitement dessinées pour paraître authentiques, mais même la moindre erreur dans les proportions humaines sera facilement détectée.

Les artistes modernes et contemporains peuvent choisir d'exagérer ou de déformer les proportions pour souligner le geste ou l'humeur perçue de la pose des modèles. Les résultats peuvent être considérés comme une œuvre d'art finie, exprimant à la fois le sujet, l'observation, l'émotion et la réaction de marque à l'expérience de dessin de la figure de l'artiste.

L'anatomie n'est que le premier niveau de préoccupation dans les classes de vie. Figure-terrain les relations et d'autres aspects de la composition sont également pris en compte. L'équilibre d'une composition devient plus crucial et donc mieux compris à travers le dessin vivant. Les artistes kinesthésique La réponse à la pose et la façon dont elle est transmise à travers un choix de supports artistiques est une préoccupation plus avancée, puisque le but des cours de dessin de figure est d'apprendre à dessiner des humains de toutes sortes, des modèles masculins et féminins de tous âges, formes et les ethnies sont généralement recherchées, plutôt que de sélectionner uniquement de beaux modèles ou ceux avec chiffres "idéaux". Certains instructeurs cherchent spécifiquement à éviter le type de modèles préférés des photographes de mode, à la recherche d'exemples plus «réalistes» et à éviter toute implication d'objectivation sexuelle. Les instructeurs peuvent également favoriser les modèles de types de corps particuliers en fonction des contours uniques ou des textures de surface qu'ils fournissent. La variété des modèles embauchés peut être limitée par la nécessité pour eux de prendre la pose pendant de longues périodes (éliminant les enfants agités et les personnes âgées fragiles), et par des préoccupations de modestie et de légalité lorsque les modèles posent nus (restreindre l'utilisation des mineurs).

Voir également

Remarques

  1. ^ Berry, Ch. 8 - "Dessiner comme préparation"
  2. ^ Maureen Johnson et Douglas Johnson (2006). Modèles artistiques: des nus vivants pour dessiner, peindre et sculpter. Livres de modèles en direct. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 janvier 2014). "Proportions standard du corps humain". makingcomics.com. Récupéré 6 septembre 2020.
  4. ^ une b Strictement académique 1974 p. 6.
  5. ^ Strictement académique 1974, p. 7.
  6. ^ Strictement académique 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, l'invention du modèle: artistes et modèles à Paris, 1830-1870. 2016, p. 5.
  8. ^ Strictement académique 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» et «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Paris, Panckoucke, 1791. Source citée dans fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Les femmes artistes dans la France du XIXe siècle". Metropolitan Museum of Art.
  11. ^ Levin, Kim. "Top 10 des histoires ARTnews: Exposer le 'He caché''". ArtNews.
  12. ^ une b c Nochlin, Linda. "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pp. 829–830. ISBN 8838778639 (en italien)
  14. ^ Le manuel du modèle artistique http://www.artmodelbook.com

Les références

Liens externes

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